从草原仲肯 到城市剧场

　　“古韵新鸣云上歌”格萨尔古乐专场音乐会是《格萨尔》史诗由民间口传形态迈向当代艺术重构的一次实践，没有使用扩音设备、无电声修饰，所有声响依靠乐器与人声原生共鸣，观众在城市剧场听见了纯粹、本真的雪域之声。

　　《格萨尔王传》是世界上篇幅最长、依旧活态流传的英雄史诗，依托玉树、果洛草原仲肯（“仲肯”为藏语，指说唱《格萨尔》史诗的艺人）说唱艺人口传心授、即兴演绎。传统的《格萨尔》说唱根植于游牧生活与民俗场景，仲肯作为故事讲述者，结合现场环境、自身感悟即兴发挥，使得史诗在漫长岁月里持续生长。这场音乐会让观众看见，《格萨尔》的传承拥有了全新的、具备精神思考维度的现代化表达方式。

　　这场演出的呈现，离不开两位核心艺术家的长期深耕。作品由国家一级作曲家、享受国务院政府特殊津贴专家扎西多杰策划创作。十余年间，他持续走进牧区采风，抢救、整理大量濒临失传的《格萨尔》民间曲调与古器乐素材，将草原上即将消散的口头旋律系统保存下来，为音乐会的上演打下扎实的文化根基。演出由国家一级指挥边巴执棒，边巴除了多年深耕民族音乐舞台外，还为西藏的音乐人才培养付出了巨大心血。一位扎根田野挖掘文脉，一位立足舞台完成艺术呈现，二人携手，加上玉树格萨尔古乐团的演职人员，完整演绎八首曲目，勾勒出《格萨尔》史诗的精神脉络。

　　最触动人心的，是整场演出依靠乐器发声完全不借助扩声设备。藏唢呐悠远厚重，达玛鼓低沉庄重，搭配藏戏钹铿锵回荡的声响，交织构筑出庄严、肃穆的声场。丹增、扎西旺杰两位非遗代表性传承人登台演奏这些传统打击乐与吹奏乐器，原汁原味的音色扑面而来。

　　与之形成对照的是扎念琴、弦子等弦鸣乐器，音色温润质朴，裹挟着草原日常的烟火气息。一边是承载神圣仪式的吹奏与打击乐，指向信仰与精神世界；一边是贴近普通人生活的弦乐，诉说人间悲欢，一庄一和，搭建起层次丰富的听觉空间。其中鹰笛外形小巧，音色澄澈通透，拥有极强的穿透力，而弦子独奏与乐队的交融，让人感受到高原的温情。

　　人声的多种演绎形式，带来诸多值得思考的内容。两位藏族歌唱家独有的发声语感、气息特点，很难在标准化音乐学院教学里习得、复刻。同时，她们熟练掌握美声唱法的发声体系，能够自然地将两套演唱体系相互融合，既保留藏族歌唱独有的本土韵味，又兼具现代舞台演唱的艺术表现力。多声部合唱段落同样令人动容。和常见演出不同，舞台上的器乐演奏者也一同加入合唱。这令人深深感到：歌唱对于藏族群众而言，不仅是表演技能，更是融入日常生活的情感表达方式。配套的合唱团承担多声部的构建，丰富的和声层次，突破了传统说唱单线叙事的局限。

　　透过这些编排设计，观众能够体会扎西多杰独到的创作思考。传统草原上的仲肯，沉浸在故事之中，以叙事者的身份讲述传奇、即兴抒发感悟。而本次创作跳出单纯复述史诗情节的思路，作曲家站在更远的视角，提炼《格萨尔》的精神内核，带着哲思审视这份文化遗产。他以藏族原生音乐素材为根基，运用现代西式作曲技法整合重构，把碎片化的民间旋律组织成结构完整的音乐作品。

　　在肯定创新实践的同时，也要客观看待口头史诗舞台化带来的问题。传统仲肯说唱依托草原原生场景，即兴性、流动性是其核心魅力；转入剧场之后，固定乐谱、标准化的演出流程，必然约束史诗自由演变的特性，原生生活语境也随之改变。但这两种传承路径并不冲突、无需相互替代，而是互补共生。持续扶持草原民间仲肯说唱、做好田野资料采集，是传承的根基；而类似这样的舞台创作，是面向当代大众传播、发展创新的重要途径。

　　这场展演拥有超越一场音乐会本身的价值。它让藏族的文化瑰宝走进城市，面向各族观众。史诗守望家园、和合向善的精神，契合大众共通的价值理念，是中华优秀传统文化创造性转化、创新性发展的生动案例，也是青海各民族交往交流交融、铸牢中华民族共同体意识的文艺载体。

　　演出结束后，舞台上全体演员整齐站立，目送观众有序离场。这份谦逊，是表演者对观众发自内心的尊重。这不单单是舞台礼仪，也是藏族同胞与生俱来的温厚品格，为整场演出增添浓厚的人文温度。

　　古老的鹰笛、世代相传的说唱、全新的艺术构思，促成一场跨越时空的文化对话。《格萨尔》不再只存在于草原说唱与文本记载中，它以全新的艺术形态呈现在当代观众面前。真正的文化传承，不是一成不变固守旧貌，而是让传统在每个时代寻找到新的表达方式。这场音乐会，正是高原非遗活态传承很好的范例。